Inhalt: Zwischen zwei Hausarbeiten erzählt ein altes Ehepaar seiner Enkelin von ihrem Leben in Vietnam und in Frankreich während des Krieges. Von ihrer ersten Begegnung im Alter von 20 Jahren bis heute beschreiben sie alle wichtigen Etappen ihrer Beziehung. Sie sprechen über das Exil, die Einwanderung, mal auf eine leichte und humorvolle, manchmal auch auf eine ernstere Art und Weise.
In einer Absichtserklärung erzählt Aude Ha Leplège: "Die vietnamesische Kultur nimmt in meiner Familie einen wichtigen Platz ein, und doch war das Bild, das ich von Vietnam hatte, bevor ich mit den Vorbereitungen für dieses Projekt begann und selbst nach Vietnam reiste, letztlich sehr ungenau.
Meine Großeltern waren nämlich nie sehr gesprächig, wenn es um das Thema ging. Sie erzählten oft nur anekdotische Dinge und hatten keinen chronologischen Bezugspunkt. Es war nicht einfach, sie zu befragen, aber sie haben sich schließlich bereit erklärt, mitzumachen.
Ich verwendete ihre Aussagen, um den Soundtrack des Films zu erstellen; ich montierte ihre Stimmen, als würden sie miteinander sprechen und einander antworten, und ließ auch Raum für Unausgesprochenes, um die Erzählung zu konstruieren. Natürlich habe ich mir auch Freiheiten genommen, und die Figuren haben schließlich ihre eigene Autonomie erlangt."
Mitwirkende: Aude Ha Leplège, Louison Chambon, Violette Delvoye; Drehbuch: Aude Ha Leplège; Regie: Aude Ha Leplège; Sound Design: David Nelissen; Montage: Aude Ha Leplège Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Was heißt es, im eigenen Körper gefangen zu sein und nicht gesehen zu werden? Die junge Autistin Veronika Raila entführt uns in ihre einzigartige Erfahrungs- und Lebenswelt. Veronika ist hypersensibel und von Geburt an schwer behindert. Sie hat schmerzhaft erlebt, was es heißt, als Person nicht wahrgenommen zu werden. Als Kind wurde ihr ein IQ von 0 attestiert. Nur ihre Eltern glaubten, dass es anders ist.
Heute veröffentlicht Veronika Prosa und Lyrik, studiert Literatur und Theologie. Mit dem vorliegenden Film nimmt sie gemeinsam mit Regisseur Mark Michel ihr eigenes Leben in den Blick. Der Film kombiniert ihre Texte und Gedanken mit behutsam ins Bild gesetzten Alltagsbeobachtungen, poetischen Naturaufnahmen und den flüchtigen, aber eindrücklichen Sandanimationen der Künstlerin Anne Loeper zu einem Essay über Freiheit und Wahrnehmung.
Dabei ist "Sandmädchen" mehr als die Fortsetzung des preisgekrönten Kurzfilms "Veronika", den Michel 2011 über Raila drehte. Heute ist Veronika nicht nur Protagonistin, sondern kreative Partnerin, die den Film mit ihren pointierten Texten trägt und zur Illustration ihres Innenlebens immer wieder detaillierte Bildvorschläge macht. In einem tiefgründigen, teilweise auch ausgesprochen humorvollen Dialog mit Mark Michel wird Veronika schließlich selbst zur Reiseleiterin in ihre ganz eigene Welt aus Sand, Musik und Worten. Im Mittelpunkt des Dokumentarfilms stehen weniger Veronikas Einschränkungen als ihr Wissensdurst und ihr klarer, bestimmter Blick auf Kunst und Gesellschaft.
Sandmädchen gibt einen Einblick in Veronikas Leben und konfrontiert uns mit unseren eigenen Vorurteilen. Der Film ist ein guter Ausgangspunkt für die Diskussion über den gesellschaftlichen Umgang mit Behinderung in den Fächern Gemeinschaftskunde und Ethik und ein Anlass, sich mit der Frage auseinander zu setzen, wo die Grenzen zwischen Normalität und Behinderung denn gezogen werden können. Wer Veronika in diesem Film erlebt, dem wird klar, dass Kategorien wie "normal" oder "behindert" keinen Sinn ergeben, weil es "die Normalität" nicht gibt. Veronika definiert sich - wie alle Menschen - nicht darüber, was an ihr normal ist, sondern darüber, was an ihr besonders ist. Mit dieser Perspektivverschiebung gelingt es auch den Zuschauenden schnell, die junge Frau als unverwechselbare Persönlichkeit wahrzunehmen. Die im Film genutzte Sandanimationstechnik kann Im Kunstunterricht gut als zweite Darstellungsebene analysiert werden. Die flüchtigen Sandbilder veranschaulichen die zerbrechliche, aber dennoch hochkomplexe Persönlichkeit der jungen Frau auf nahezu perfekte Weise. (Luc-Carolin Ziemann)
Produktion: Mark Michel; Montage: Andreas Baltschun, Ed van Megen; Protagonist: Petronilla Raila, Veronika Raila, Petronella Rößle, Uwe Raila; Kamera: Ines Thomsen; Musik: Alex Komlew; Drehbuch: Veronika Raila, Mark Michel; Regie: Mark Michel Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Friedrich Schiller, der "James Dean von 1782", der erste leidende Künstler, erotischer Hitzkopf und Schwarm aller Mädchen. Die Premiere seines Dramas "Die Räuber" wird zum Happening: begeisterte Fans, die sich gegenseitig auf den Lautstärkepegel eines Rockkonzerts hochschaukeln, ein tumultartiger Event, der den Geist der Veränderung verbreitet und die Feudalgesellschaft aus den Angeln hebt.
Schiller ist Verfasser der "Ode an die Freude", die durch Beethovens Vertonung unsterblich wird, Autor des "Don Carlos" und unzähliger Dramen, Gedichte, Aufsätze, Erzählungen und Geschichten - ein literarisches Monument. Den Grundstein seines Schaffens legt Schiller schon früh mit seinem Drama "Die Räuber", er ist 22 Jahre alt. Seine Jugend ist ein Kampf gegen den Vater, die Vorgesetzten, die Disziplin, gegen Armut, Krankheit und Selbstzerstörung. Er rebelliert, wird verhaftet und eingesperrt; er flieht. Voller Stolz und Arroganz hat er das zwanghafte Verlangen zu schreiben. Am Mannheimer Hof bildet sich ein Trio: die schöne junge Schauspielerin Katharina, der arrivierte Hofdichter Iffland, der besessene, tollkühne Schiller. Iffland, der für die Gegenwart und Schiller, der für die Nachwelt schreibt. Ein harter, mit Worten ausgefochtener Zweikampf, den Iffland gewinnen wird. Vorerst: Denn den wahren und größten Sieg wird Schiller in Weimar erringen. Aber das ist eine andere Geschichte...
"'Schiller', der Film, geht mit der Biographie des Dichters frei, aber nicht mutwillig um. Regisseur Weinhart und sein Drehbuchautor Hendrik Hölzemann erfinden, angelehnt an historische Vorbilder, zum Beispiel die Schauspielerin Caroline Wiethoeft, gespielt von Barbara Auer, die ein geschicktes Bindeglied darstellt zwischen den verschiedenen Intrigen am Mannheimer Theater. Durch solche dramaturgischen Mittel gewinnt der Film ein Tempo, das Matthias Schweighöfer immer wieder forciert und abbremst. Sein Schiller kämpft um seine Existenz, will unbedingt den Erfolg. Zum Beispiel mit dem bürgerlichen Trauerspiel 'Kabale und Liebe'. Doch selbst mit Opportunismus will ihm das in Mannheim nicht mehr gelingen:
Schiller: 'Ich hoffe, Ihre Exzellenz sind zufrieden. Es ist die volle Ladung Leid, die ich gebe. Jetzt mache ich mich sofort an den zweiten Teil der 'Räuber'. Ich werde alles vermeiden, was die Empfindungen des Publikums stören könnte. Ich werde meinen Kontrakt erfüllen.' Dalberg: 'Die Kurfürstin hat interveniert. Sie will partout, dass Iffland Hausautor wird.'" (Quelle: Deutschlandfunk)
Schauspieler: Nikolaus Paryla, Michael Hanemann, Teresa Weißbach, Catrin Striebeck, Martin Feifel, Robert Dölle, Florian Stetter, Matthias Schweighöfer, Barbara Auer, Ulrich Noethen, Jürgen Tarrach; Drehbuch: Martin Weinhart, Hendrik Hölzemann; Regie: Martin Weinhart; Produktion: Uschi Reich, Michael Hild, Wolfgang Krenz; Kamera: Klaus Eichhammer; Musik: Thomas Osterhoff; Montage: Christian Nauheimer Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: "Ich kann besser an einem Ort leben, dessen Geschichte ich kenne." Im Prolog des Filmes betrachten zwei Männer Fotos. Die Männer sind noch nicht alt, die Fotos deutlich älter als die beiden Polen. Es sind Fotos aus einem Dorf in Niederschlesien, aus einer Welt, die es so nicht mehr gibt. Früher hieß das Dorf Seifershau, heute Kopaniec. Dort wohnen die beiden Männer.
Der Film erkundet die Geschichte dieses Ortes am Rande des Riesengebirges durch die Erinnerungen seiner früheren und heutigen Einwohner, deren Lebenswege die Erfahrung von Millionen von Menschen widerspiegeln. Zwischen dem Früher und dem Heute liegt die Vertreibung. Aus dem Ort wurden die deutschen Bewohner ab dem Sommer 1946 vertrieben. Seit 1945 wurden Vertriebene aus dem Ostpolen der Vorkriegszeit hier angesiedelt. In den ersten Jahren nach Kriegsende nannte man diese Region in Polen "Der Wilde Westen".
Seit Mitte der 1970er Jahre kommen immer wieder Besuchergruppen aus Deutschland im Bus nach Kopaniec, Menschen auf Besuch in einer "Heimat, die Heimat nicht mehr ist". Der Film begleitet die Gruppe bei der Ankunft, beim Heimatabend, auf den Wegen durch das Dorf, bei den Besuchen der heutigen Bewohner. "Als Kinder, wenn wir mutig waren, haben wir ihnen nachgerufen: äHitler kaputt, Hitler kaputt'", erzählt lachend eine junge Polin.
Nach dem Krieg lebten die alteingesessenen Bewohner und die ankommenden neuen noch bis zu zwei Jahre lang zusammen in demselben Haus. "Die Deutschen wurden schikaniert", erzählt ein Pole. Und: "Das machte alles der Krieg". Aber auch so klingen Erinnerungen: "Wir haben zusammen gegessen und gearbeitet". Alltag in einer Ausnahmezeit. In die Gegend um Kopaniec gelangten damals nicht nur Vertriebene aus dem Osten, von denen einige vorher jahrelang in Sibirien interniert waren. Familien aus dem in weiten Teilen zerstörten Zentralpolen versuchten ihr Glück, unter ihnen oft ehemalige Zwangsarbeiter. Ausgemusterte polnische Soldaten bekamen hier neues Land zugewiesen, Plünderer machten die Gegend unsicher. Auch davon erzählt der Film.
In dem Dorf leben die Alten mit ihren Geschichten, aber auch die Jungen leben hier mit der Geschichte des Dorfes. Sie leben ihr Leben, heute. Einer der Jüngeren kam aus Deutschland, Sohn einer Frau, die zu den Vertriebenen gehört, und er baut nun ein Haus in Kopaniec: "Zuerst habe ich erst mal Polnisch gelernt, denn ich bin ja nicht hierhergekommen, um die Geschichte wieder zurückzudrehen", sagt er. Seine Mutter wollte nie, dass er sich hier ansiedelt. Das Dorf ist Mittelpunkt des Filmes und Bindeglied zwischen den früheren und heutigen Bewohnern. Die Polen wie die Deutschen hofften nach ihrer Vertreibung, dass sie wieder nach Hause gehen können. "Man muss sich damit abfinden", sagt eine Polin.
"Schlesiens Wilder Westen" fragt, was Heimat ist: ein Ort, ein Mensch, ein Gefühl, eine Erinnerung?
Inhalt: Sixto Rodriguez, Musiker mit mexikanischen Wurzeln, zu Hause in Detroit: Wie in einem Pop-Märchen wurde er 1968 von zwei Musikproduzenten in einer Detroiter Bar entdeckt. Seine Songs erzählen vom rauen Leben, und wenige Jahre später sind sie in aller Munde. Rodriguez wird ein größerer Star als Bob Dylan und Elvis Presley zusammen. Allerdings nicht bei sich zu Hause in den USA - sondern in Südafrika.
Südafrika befindet sich zu dieser Zeit in der Hochphase des Apartheid-Regimes. Zu Zwecken des Machterhalts der Weißen ist das Land vom Rest der Welt abgeschnitten; die Medien werden von der Regierung strikt zensiert.
Niemand weiß, wie Rodriguez' Album COLD FACT eigentlich in das abgeschottete Land gekommen ist. Aber besonders unter weißen Apartheid-Gegnern werden die Songs von Hand zu Hand weitergegeben und gehören bald zum Soundtrack der Proteste gegen die Rassentrennung. In vielen Haushalten stehen Rodriguez' Platten neben den Beatles und Simon & Garfunkel. Aber wer ist dieser Sänger? Niemand in Südafrika weiß auch nur das Geringste über ihn. Das ist nicht zuletzt darauf zurückzuführen, dass Rodriguez in den USA völlig unbekannt bleibt. Obwohl Kritiker und Musikprofis für seine Songs schwärmen, sind seine Platten Ladenhüter. Nach dem zweiten Album ist Schluss, ein drittes bleibt unvollendet.
In Südafrika dagegen treffen Rodriguez' Songs den Nerv rebellischer junger Weißer. Und das, obwohl der Musiker nie einen Fuß auf afrikanische Erde gesetzt hatte und von seinem Ruhm in Südafrika nichts erfuhr. Aus dem völligen Nichtwissen um die Person Rodriguez wachsen in Südafrika Legenden. Eine besagt, der Sänger habe sich auf offener Konzertbühne umgebracht.
SEACHING FOR SUGAR MAN erzählt Rodriguez' Geschichte aus der Perspektive zweier südafrikanischer Fans, die sich nach dem Ende der Apartheid auf die Suche nach ihrem Idol machen und dabei mehr finden, als sie sich je erträumt hatten. Der Film des schwedischen Regisseurs Malik Bendjelloul erzählt die Geschichte schlank und mit stark gedimmtem Pathos. Er mischt Realfilm und Archiv mit klug und sparsam eingesetzten Animationen sowie reduzierten symbolischen Spielhandlungen, die er dem Look der 1970er-Jahre inszeniert. Damit gelingt ihm ein perfekter Film - nicht zuletzt dank der Arbeit seiner Kamerafrau und der hervorragend an die Geschichte angepassten Animationen. Immer mit dabei sind die Songs von Sixto Rodriguez, die es wert sind, auch außerhalb von Südafrika gehört zu werden.
*** Nicht nur in Südafrika, sondern auch in Australien war Sixto Rodriguez in den 1970er- und frühen 1980er-Jahren populär - und im Gegensatz zu seinem südafrikanischen Erfolg wusste Rodriguez von seinen australischen Erfolgen. 1979 und 1981 absolvierte er zwei Australien-Tourneen. SEARCHING FOR SUGAR MAN beschränkt sich jedoch auf die Beziehung zu seinem südafrikanischen Publikum; das Kapitel von Rodriguez in Australien bleibt außen vor.
Wer übrigens mit den Verkäufen von Rodriguez' Platten in Apartheid-Südafrika Geld verdiente - diese Frage lässt der Film unbeantwortet. Denn obwohl ein Teil der Verbreitung durch Raubkopien erfolgte, spielten auch legaler Verkauf in Vinyl gepresster Schallplatten und später von CDs eine Rolle.
*** SEARCHING FOR SUGAR MAN gehört zu den international erfolgreichsten Dokumentarfilmen der jüngeren Vergangenheit. In den USA wurden ihm neben dem "Oscar" zahlreiche weitere renommierte Auszeichnungen zuteil, unter anderem die Preise der Autoren-, Regie und Produzenten-Gilden.
Kamera: Camilla Skagerström; Produktion: Simon Chinn, Malik Bendjelloul; Protagonist: Steve Rowland, Dan DiMaggio, Willem Möller, Jerome Ferretti, Dennis Coffey, Stephen Segerman, Mike Theodore; Drehbuch: Malik Bendjelloul; Montage: Malik Bendjelloul; Regie: Malik Bendjelloul Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Mit atemberaubenden Aufnahmen von Bergen und Surfwellen auf der ganzen Welt folgt die Doku "Shaka" dem Snowboard-Weltmeister und renommierten Athleten Mathieu Crepel, der sich der größten Herausforderung seines Lebens stellt: dem Surfen auf den legendären Wellen von Jaws Beach, Hawaii.
Mathieu, der sowohl mit den Wellen als auch mit dem Schnee aufgewachsen ist, ist einer der wenigen Athleten auf der Welt, die in zwei unterschiedlichen Disziplinen brillieren. Zurückgezogen vom Wettkampfsport, aber immer noch rastlos beschließt der ehemalige Olympiateilnehmer, sich einer der größten Herausforderungen seines Lebens zu stellen: das Surfen auf der berühmt-berüchtigten Welle von Jaws, Hawaii. Mit einem unstillbaren Durst nach Abenteuer und Adrenalin hat er sich - wie so oft in seiner Sportkarriere - entschlossen, seine Komfortzone zu verlassen und seine Grenzen bis zum Äußersten auszureizen.
Ästhetisch zeigt der Film atemberaubende Aufnahmen von schneebedeckten Gipfeln und riesigen Wellen an legendären Buchten von Hawaii, Italien, Oregon, Indonesien und rund um Mathieus Heimat im Südwesten Frankreichs. Darüber hinaus begleitet "Shaka" verschiedene Legenden der Surf- und Snowboarding-Welt, darunter Koa & Eddie Rothman, Guillaume Nery, Kepa Acero, Gerry Lopez, Victor Daviet und Nathan Fletcher.
Gefilmt und erzählt von Regisseur Morgan Le Faucheur, einem ehemaligen Profi-Snowboarder und Jugendfreund von Mathieu, ist "Shaka" eine intime Geschichte, die weit über ein einfaches Sport-Epos hinausgeht. Begleiten Sie Mathieu auf seinem Weg zur Verwirklichung seines ultimativen Traums, seine Leidenschaft für das Surfen und den Schnee zu vereinen, während er den epischsten aller Berge in Angriff nimmt... das Wasser!
"I want to share, to learn from my experience and to enrich those of other people. Surfing and snowboarding are vital for me, they allow me to be close to nature, and have taught me about how fragile it is. This is what motivates me to go on an adventure, far from my comfort zone, and to continuously challenge myself" (Mathieu Crepel).
Drehbuch: Morgan le Faucheur; Kamera: Ben Nardini; Musik: Guillaume Ferran; Sound Design: Ben Nardini; Montage: Ben Nardini; Produktion: Morgan le Faucheur, Mathieu Crepel; Regie: Morgan le Faucheur; Protagonist: Guillaume Néry, Mathieu Crepel Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Der Jazz in Deutschland hatte schon vor 60 Jahren seine besondere Stimme: Inge Brandenburg!
Geboren in Leipzig, wuchs Inge Brandenburg in zerrütteten Familienverhältnissen auf. Ihre Eltern wurden Opfer der Nazis. Ihr kommunistischer Vater hatte im Ersten Weltkrieg den Kriegsdienst verweigert und kam im KZ Mauthausen um; ihre Mutter wurde als "Asoziale" im KZ Ravensbrück ermordet. Die sechs Kinder des Ehepaars wurden getrennt voneinander in NS-Heimen erzogen. Inge kam nach Bernburg und Dessau. Unmittelbar nach Kriegsende floh sie mutterseelenallein in die amerikanische Zone. Hier wurde sie zunächst als "Herumtreiberin" mehrere Monate inhaftiert.
In Augsburger GI-Clubs kam sie erstmals mit Jazz in Berührung und entdeckte ihr Talent für diese Musik. Ende der 1950er-Jahre wurde sie als beste europäische Jazzsängerin gefeiert und vom "Time Magazin" mit Billie Holiday verglichen. Deutsche Plattenlabels versprachen sich jedoch größere kommerzielle Erfolge mit Inge Brandenburg als Schlagersternchen und hielten Jazzaufnahmen mit ihr zurück. Brandenburg versuchte, die Firmen gerichtlich zur Veröffentlichung dieser Aufnahmen zu zwingen - ein mutiger Schritt, der ihrer weiteren Karriere jedoch schweren Schaden zufügte. In dieser Zeit war es nahezu unmöglich, an Plattenfirmen vorbei den Markt zu erobern. Alkoholprobleme taten ein übriges, ihre Karriere zu beenden.
Inge Brandenburgs Geschichte führt ins Westdeutschland der 1950er- und 1960er-Jahre, in eine Welt, die für selbstbewusste und ambitionierte Frauen keinen Platz vorsah. Die gesellschaftlichen Normen machten es einer Frau mit großen Träumen und einer emanzipierten Erotik schwer. Inge Brandenburg starb 1999 verarmt in München.
SING! INGE, SING! ermöglicht es, diese große deutsche Künstlerin neu zu entdecken.
Montage: Marian Piper; Protagonist: Klaus Doldinger, Udo Jürgens, Wolfgang Dauner, Marc Boettcher; Musik: Senka Brankovic; Produktion: Marc Boettcher; Drehbuch: Marc Boettcher; Kamera: Oliver Staack; Regie: Marc Boettcher Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Die Zeit von 1895 bis 1945, das Berlin von Zille und Otto Reutter, Claire Waldoff, der Kaiserparaden und Aufmärsche unterm Brandenburger Tor; der zwei Weltkriege, der rauschenden Premieren im Apollo-Theater und kleinen trauten Runden im Grünen bei einer Molle, Dampferausflug auf dem Wannsee und dazu Walter Kollos Musik; das lebt in dem Spielfilm auf, den Willi Kollo, ebenfalls höchst erfolgreicher Schlagerkomponist und Textverfasser, 1958 seinem berühmten Vater widmete. Geschickt hat er den biographischen Bericht mit einem kleinen Handlungsfaden und historischen Wochenschauauszügen verbunden und die Atmosphäre von Vergangenheit und Gegenwart miteinander verbunden. In diesem kulturhistorisch wertvollen Archivmaterial von der Jahrhundertwende bis zur Inflationszeit sehen und hören wir noch einmal Wilhelm II., Hindenburg, Gustav Stresemann, Friedrich Ebert, Klara Zetkin, Philipp Scheidemann, Gerhard Hauptmann, Heinrich Zille, Claire Waldoff, Max Reinhardt, den Droschkenkutscher Gustav Hartmann alias der "eiserne Gustav", Josephine Baker und unzählige andere Zeitgenossen dieses turbulenten Jahrhunderts.
Montage: Hermann Ludwig, Ilse Voigt; Schauspieler: René Kollo, Joachim Röcker, Marguerite Kollo, Wolfgang Gruner, Edith Schollwer, Bruno Fritz, Karin Hübner; Stimme: Jo Herbst; Musik: Willi Kollo, Walter Kollo; Drehbuch: Willi Kollo; Kamera: Wolf Göthe; Produktion: Willi Kollo; Regie: Willi Kollo Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: SOUNDBREAKER ist ein Film über einen unkonventionellen Musiker, der als Punk unter den Akkordeonisten gilt, selbst Treckern sinfonische Töne entlockt - und sein Publikum mit fantastischen Bühnenshows verzaubert. Ein "Geheimtipp", findet etwa die Sächsische Zeitung, und hat recht damit.
Das Akkordeon ist ein Instrument, über das es reichlich Vorurteile gibt. Das verwandte Bandoneon ist beim Tango zu Ehren und Coolness gekommen, während den "Schifferklavieren" und vielfältig in der Populärmusik verwendeten Ziehharmonikas ein ausgesprochen konservativer Ruf anhaftet.
Kimmo Pohjonens Akkordeon-Performances sind das Gegenteil von verstaubt - er hat das Instrument geradezu revolutioniert. Als Kind spielte er nur, um seinen Vater nicht zu enttäuschen und ist bestenfalls durch eine Art Hassliebe mit dem Instrument verbunden. Am liebsten hätte er es mit dem Vorschlaghammer zertrümmert. Erst als er sich traut, das Akkordeon auseinander zu bauen und technisch zu verändern, findet er Zugang. Er baut Mikrofone in den Blasebalg ein, um genau die Geräusche zu verstärken, die er im klassischen Spiel stets unterdrücken musste. Mit seinen alle Konventionen brechenden Performances haucht er dem Akkordeon ein völlig neues Leben ein.
Drehbuch: Kimmo Koskela; Montage: Kimmo Koskela; Regie: Kimmo Koskela; Protagonist: Kimmo Pohjonen, Samuli Kosminen, Timo Kämäräinen; Kamera: Kimmo Koskela; Produktion: Kimmo Koskela; Musik: Kimmo Pohjonen Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Die wahre Geschichte eines unglaublichen Roadtrips: Mitte der 1970er-Jahre brach die junge Robyn Davidson (Mia Wasikowska), nur begleitet von ihrem Hund und von vier Kamelen, zu einem Fußmarsch quer durch den australischen Kontinent auf, der insgesamt 2700 Kilometer lang war und acht Monate dauerte. Vor Beginn ihrer Reise lernt sie den Fotografen Rick Smolan (Adam Driver) kennen, der ihre Reise für "National Geographic" in atemberaubenden Fotos für die Ewigkeit festhielt.
Regisseur John Curran findet für den Trip faszinierende Bilder des australischen Outbacks und komponiert die beschwerliche Reise voller Hindernisse zu einem dichten Selbstfindungstrip seiner Protagonistin.
Schauspieler: Mia Wasikowska, Melanie Zanetti, Rainer Bock, Jessica Tovey, Adam Driver, John Flaus, Emma Booth, Lily Pearl; Produktion: Emile Sherman, Iain Canning; Regie: John Curran; Kamera: Mandy Walker; Montage: Alexandre de Franceschi; Vorlage: Robyn Davidson; Musik: Garth Stevenson; Drehbuch: Marion Nelson Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Bonn, 1948: Die Gleichberechtigung von Mann und Frau steckt noch in den Kinderschuhen. Die Bundesrepublik Deutschland ist noch nicht einmal geboren, da schwingt sich eine Juristin und SPD-Abgeordnete dazu auf, im gerade entstehenden Grundgesetz einen heute selbstverständlichen Satz zu verankern: "Männer und Frauen sind gleichberechtigt."
Elisabeth Selbert (1896-1986) hieß die Frau, die 70 Jahre vor der #MeToo-Bewegung zu einer der Vorreiterinnen im Kampf um Gleichberechtigung wurde und deren Verve und Beharrlichkeit Iris Berben trefflich zu verkörpern weiß - gegen die Macho-Bastion im Parlament und gegen die weibliche Skepsis in den eigenen Reihen. Nur langsam schält sich Selberts Umfeld aus dem Kokon eines jahrhundertelang eingetrichterten und im Nationalsozialismus zementierten Rollenverständnisses heraus. So schlägt sich auch ihre Sekretärin Irma (Anna Maria Mühe) erst nach einer enttäuschenden Affäre mit einem verheirateten Abgeordneten auf ihre Seite. Ideell unterstützt wird die Politikerin von ihrem daheim in Kassel gebliebenen Ehemann Adam Selbert, der sich von den Schrecken seiner KZ-"Schutzhaft" erholt.
Erica von Moellers Geschichtsdrama schlägt den Bogen in die Vergangenheit und zeichnet dabei die tiefgreifenden Umwälzungen der deutschen Nachkriegsjahre nach. Spürbar ragen die Fühler der NS-Zeit immer noch in die Köpfe und Strukturen des politischen Establishments. Aufreibende Debatten, weibliche Solidarität und männliche Verbündete waren von Nöten, bis die Gleichberechtigung im trocken klingenden Artikel 3, Absatz 2 des neuen Grundgesetzes seinen Platz fand.
Verpackt ist die Geschichte in ein ebenso spannendes wie faktenreiches, die Biederkeit der Prä-Adenauer-Ära atmendes Porträt einer Ausnahmepolitikerin, die als eine der vier "Mütter des Grundgesetzes" gilt und die beweist, dass es sich zu kämpfen lohnt - egal, wie groß der Widerstand auch erscheinen mag.
Regie: Erica von Moeller; Produktion: Juliane Thevissen; Musik: Stefan Döring, Andreas Schilling; Schauspieler: Eleonore Weisgerber, Walter Sittler, Lena Stolze, Max von Thun, Anna Maria Mühe, Iris Berben, Maja Schöne; Montage: Renata Salazar-Ivancan; Kamera: Sophie Maintigneux; Drehbuch: Ulla Ziemann Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Summer Pasture ist ein Dokumentarfilm in Spielfilmlänge, der den Sommer einer jungen Familie in einer Zeit großer Unsicherheit beschreibt. Locho, seine Frau Yama und ihre kleine Tochter, die den Spitznamen Jiatomah ("blasses, molliges Mädchen") trägt, verbringen die Sommermonate auf den Zachukha-Wiesen in Osttibet, einer Region, die als Wu-Zui oder "5-Most" bekannt ist, dem höchsten, kältesten, ärmsten, größten und abgelegensten Landkreis in der Provinz Sichuan in China.
Summer Pasture ist die Geschichte einer Familie am Scheideweg und spielt zu einem kritischen Zeitpunkt im Leben von Locho und Yama, die sich Gedanken über ihre Zukunft als Nomaden machen. Während ihre Hirtentraditionen mit einer raschen Modernisierung konfrontiert werden, müssen Locho und Yama sich den Herausforderungen stellen, die ihre Existenz radikal umzugestalten drohen.
"Austerely beautiful and deeply intimate doc... Trust us: This one is a cut above many others in its small genre" (NEW YORK MAGAZINE, CRITIC'S PICK).
Drehbuch: Lynn True, Nelson Walker III, Tsering Perlo; Montage: Lynn True; Regie: Lynn True, Nelson Walker III, Tsering Perlo; Kamera: Nelson Walker III; Produktion: Nelson Walker III, Lynn True, Tsering Perlo Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Der Dokumentarfilm SUNNY'S TIME NOW von Antoine Prum ist eine lebendige Hommage an einen kompromisslosen Künstler, den amerikanischen Avantgarde-Jazz-Schlagzeuger Sunny Murray, eine der wohl einflussreichsten Figuren der historischen Free-Jazz-Szene... Mit einer Reihe von Interviews mit wichtigen Zeitzeugen und umfangreichem Konzertmaterial nimmt der Film einen europäischen Blickwinkel ein, um die komplexen Beziehungen zwischen der libertären Musikbewegung und dem politischen Klima einer Ära neu zu bewerten, deren revolutionärer Nachhall noch heute nachklingt. SUNNY'S TIME NOW befasst sich auch mit der fast geheimen Gemeinschaft von Liebhabern, die weiterhin die Götter ihrer musikalischen Jugend verehren und deren entschlossene Unterstützung es der freien improvisierten Musik - von der Murray einer der letzten Mohikaner ist - ermöglicht hat, weiterzuleben.
Protagonist: Tony Oxley, Sunny Murray, Cecil Taylor, Val Wilmer; Drehbuch: Antoine Prum; Produktion: Stéphane Bubel, Paul Thiltges; Kamera: Camille Cottagnoud, Carlo Thiel; Regie: Antoine Prum; Montage: Antoine Prum, Theo Thiesmeier Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: In einem 30-minütigen Werkstattgespräch erinnert sich die Schauspielerin Iris Berben ausführlich an ihre frühe Hauptrolle in dem deutschen Kinofilm "Supergirl - Das Mädchen von den Sternen" (1971) von Regisseur Rudolf Thome. "Als ich den Film jetzt wiedergesehen habe, hat mich das auf eine wunderbare Reise geschickt", erinnert sich die Schauspielerin. Es sei eine Reise zurück an ihre Anfänge. "Dass der junge deutsche Film auch in dieser Zeit begann, ist ein schöner Zufall." Die Neusichtung von "Supergirl" wurde für Iris Berben zum melancholischen Rückblick, bei dem sie sich als junge Schauspielerin in der Rolle der geheimnisvollen Außerirdischen Francesca Farnese ebenso selbst beobachte wie sie alle Kollegen wieder gesehen habe, darunter vor allem Marquard Bohm (1941-2006), diesen "wunderbaren Verrückten", mit dem sie bereits in ihrem ersten Kinofilm "Detektive" (1969), ebenfalls inszeniert von Rudolf Thome, spielte.
Das Gespräch mit Iris Berben über "Supergirl" entstand im Mai 2018 exklusiv für das VoD-Portal alleskino.de. Kameramann war David Slama (u.a. "Das Treibhaus", "Die Abfahrer", "Unsere Mütter, unsere Väter", "Junges Licht", "Mackie Messer - Brechts Dreigroschenfilm"). Das Interview führte und produzierte Horst Peter Koll. Dank an die ifs internationale filmschule köln für die freundliche Unterstützung.
Produktion: Horst Peter Koll; Montage: Horst Peter Koll, Fabian Klein; Mitwirkende: Iris Berben; Drehbuch: Horst Peter Koll; Kamera: David Slama, Felix Tonnat, Fabian Klein; Protagonist: Iris Berben; Regie: Horst Peter Koll Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Ein doppeltes Porträt von Philippe Sangdor, genannt Phil. Als Sänger und Performer der Gruppe Tattoo noise act ist Phil ein vielschichtiger Charakter. Der ruhige Rhythmus seines Alltags steht im Kontrast zu seinen öffentlichen Auftritten, die aus Tätowierungen, Piercings, Verkleidungen oder Enthüllungen bestehen. Von der Frisur bis zur Nadel, von der Gartenarbeit bis zum Bier, Phil, ein unermüdlicher Extrovertierter, führt seinen Körper aus Stahl in Säure spazieren. Wenn das Fleisch zum Werk wird...
Produktion: Nicolas Rumpl, Cyril Bibas; Sound Design: Christophe Evrard; Montage: Victor Claude; Regie: Pierre Martin; Drehbuch: Pierre Martin Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: "Terra Mia Terra Nostra" geht über den Familienfilm hinaus. Durch die Erfahrungen von Personen, die sich vor 14 Jahren kennengelernt haben, werden die universellen Fragen nach dem Gefühl der Zugehörigkeit zu einem Herkunftsland angesprochen. Konfrontation von Sprachen, Traditionen, Kulturen, Übergang von Generationen, deren Erinnerungen in einem Italien, das man sich manchmal vorstellt, verloren gegangen sind. Das Leben ist heute anderswo. Das Gefühl der doppelten Zugehörigkeit und der doppelten Nationalität führt zu einer ständigen Suche. Wo liegt das Gleichgewicht? Wie definiert man sich selbst?
Kamera: Alain Marcoen, Alex Aach, Felix Sorger; Produktion: Elise André, Donato Rotunno; Montage: Felix Sorger, Matyas Veress; Regie: Donato Rotunno; Musik: Lata Gouvéia Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Im 21. Teil seiner Serie "Photographie und jenseits" projiziert Emigholz wie gewohnt eine Reihe von Bauwerken in unser Gehirn und von dort auf die Leinwand: Flughäfen, Autobahnen und Bushaltestellen, Kaufhäuser, Markthallen und Lagerhäuser sowie Kirchen, Kathedralen, Skulpturen und Monumente. Dazu ein Gefängnis, ein Stadion, eine Botschaft, ein Doppelhaus. Die weit verstreut liegenden Architekturen ergeben eine Rahmennovelle: Die ephemere, kapitalistische, religiös-melancholische und moralstiftende Welt verfängt sich folgenreich in ihrer Zielgerichtetheit. Selbst nach dem Abwurf der Atombombe, erzählt von einer vage vertrauten Stimme, wartet der Zuschauer auf die dokumentarische Klammer eines architektonischen Entwurfs. Doch es gibt sie nicht, vielleicht gab es sie nie. Was vor uns liegt, ist eine flache Leinwand, zum Beweis fliegen Abbildungen aus Wurfsendungen quer durchs Bild. Das Davor und Dahinter verbinden sich zur eigentlichen Raum- und Zeitkonstruktion, deren Architekt niemand anders ist als der Zuschauer selbst. "The Airstrip" bietet als Schlussteil der Serie kein großes Finale der Architekturfilmgeschichte, sondern eine fulminante Wüstenlandschaft voller unerwarteter Neuanfänge.(Quelle: 64. Internationale Filmfestspiele Berlin, Katalog)
Man stelle sich einen Luftraum vor, in dem eine Bombe abgeworfen wurde, die noch nicht ihren Explosionsort erreicht hat. Sie fliegt auf ihn zu und ist nicht mehr zu stoppen. Die Zeit zwischen dem Abwurf und der Explosion der Bombe ist weder Zukunft - denn die unweigerliche Zerstörung hat ja noch nicht stattgefunden - noch ist sie Vergangenheit, da diese unweigerlich im Begriff ist, zerstört zu werden. Die Flugzeit der Bombe beschreibt so das absolute Nichts, die Stunde Null, bestehend aus all den Möglichkeiten, die es im nächsten Moment nicht mehr gibt. Eine Geschichte also, die aufhören wird, bevor sie angefangen hat, und die hier aus Trotz erzählt wird: Eine Architekturreise von Berlin über Arromanches, Rom, Wroclaw, Görlitz, Paris, Bologna, Madrid, Buenos Aires, Atlantida, Montevideo, Mexico City, Brasilia, Tokyo, Saipan, Tinian, Tokyo, San Francisco, Dallas, Binz und Mexico City nach Berlin - ins Bodenlose.
Die Dreharbeiten zum Film THE AIRSTRIP fanden von März 2011 bis Juni 2012 in Deutschland, Italien, Frankreich, Spanien, Argentinien, Uruguay, Mexico, Brasilien, den USA, auf den Nördlichen Marianen und in Japan statt. Der Film zeigt verschiedenste Bauwerke und Skulpturen.
Inhalt: Ein romantischer Road-Trip mit Starbesetzung.
Junge Regisseurinnen und Regisseure, allesamt Filmstudierende der New Yorker Universität, erzählen in unterschiedlichen Segmenten vom Leben, Lieben und Leiden des US-amerikanischen Dichters und Pulitzer-Preisträgers Dichters C. K. Williams (1936-2015). Als roter Faden dienen dabei einzelne Gedichte des berühmten Poeten.
Der Film nimmt uns mit auf eine Reise zu verschiedenen Lebensabschnitte von C.K. Williams Kindheit bis hin zu seinem Dasein als erwachsener Mann. Wir sehen Detroit in den 1940ern, 1950ern, und 1980ern. C.K. (James Franco) und seine wunderschöne Frau Catherine (Mila Kunis) haben einen gemeinsamen Sohn namens Jed. C.K. bereitet sich auf eine Lesung seines Gedichtbandes "Tar" in New York City vor und plagt sich durch die Nächte mit alten Erinnerungen und dem Wunsch, neue Gedichte schreiben zu können. Das Drama springt dabei in der Zeit zurück und vor, zeigt die liebevolle Beziehung zu seiner Mutter (Jessica Chastain), seine ersten sexuellen Erfahrungen als Teenager und seine erste Liebe.
Der Film basiert auf dem Lyrikband Tar von C.K. Williams. Der Gedichtband wurde 1983 in den USA veröffentlicht. C.K. Williams gewann bereits nahezu jeden größeren Lyrikpreis, u.a. den Pulitzer-Preis für seine Lyriksammlung Repair.
Montage: Jennifer Ruff; Schauspieler: Henry Hopper, Mila Kunis, James Franco, Zach Braff, Jessica Chastain; Produktion: Shruti Ganguly, James Franco; Drehbuch: Alexis Gambis, Shruti Ganguly; Musik: Garth Neustadter, Daniel Wohl; Regie: Alexis Gambis, Brooke Goldfinch; Mitwirkende: C.K. Williams; Kamera: Pedro Gómez Millán Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Für Fans von Meisterwerken wie TIGER & DRAGON und HERO - beide ebenfalls mit Zhang Zi-Yi (anglisiert: Zhang Ziyi) in der Hauptrolle - erzählt Wong Kar-wai in seinem poetischen Kampfkunst-Epos THE GRANDMASTER die Geschichte des legendären Wing Chun-Großkampfmeisters Ip Man (Tony Leung Chiu-Wai, IN THE MOOD FOR LOVE), beginnend vor dem Hintergrund der Turbulenzen im China der 1930er- und 1940er-Jahre.
Ungeschlagen im Kräftemessen mit anderen Kungfu-Künstlern wird Ip Man (auch: Yip Man und IP Man), unter anderem Lehrer und Mentor von Bruce Lee, als Großmeister des chinesischen Südens gefeiert. Während eines Wettkampfes erringt er die Zuneigung der stolzen Gong Er (Zhang Zi-Yi), einer Meisterin der nordchinesischen Kampfkunst-Tradition. Doch die Besatzung durch Japanische Truppen in Südchina trennt die beiden. Ip Man muss für das Überleben seiner Familie kämpfen, während Gong Er im fernen Norden Vergeltung für die feige Ermordung ihres Vaters sucht. Nach Kriegsende treffen sich beide in Hongkong wieder. Ip Man gründet eine Kungfu-Schule, und Gong Er arbeitet als Ärztin. Doch die Vergangenheit hat ihre Spuren hinterlassen.
Konkurrenzkämpfe, Vergeltung, Familie, Begehren, Sehnsucht und unerfüllte Liebe: WONG Kar-wai, bekannt für seine romantischen, melancholischen Dramen (IN THE MOOD FOR LOVE, 2046), schlug mit seinem Eröffnungsfilm der Berlinale 2013 verschiedene Töne an, ohne seinen für ihn so typischen Stil und die vertraut grandiosen Bilder zu verlieren. Ein visuelles Meisterwerk - mysteriös, kraftvoll, poetisch.
"Leben und Kampfkunst des chinesischen Kung-Fu-Meisters Ip Man (1893-1972) im Spiegel der melancholisch-meisterhaften Kinopoesie Wong Kar-wais. Die Inszenierung folgt chronologisch dem Schicksal Ip Mans, der durch die japanische Invasion im Jahr 1936 nicht nur seine Familie, sondern auch den Kontakt zu seiner großen Liebe Gong Er verliert. Ein hochästhetisiertes Liebes- und Historiendrama, das untergründig um die Frage der politischen wie künstlerischen Einheit Chinas kreist und in der Kombination aus Beschleunigung und Verlangsamung einem romantisch-ekstatischen Ideal huldigt. " (Lexikon des Internationalen Films)
Schauspieler: Chung Le, Chang Chen, Elvis Tsui, Tony Chiu-Wai Leung, Qingxiang Wang, Song Hye-Kyo, Kar-Yung Lau, Ziyi Zhang; Kamera: Philippe Le Sourd; Drehbuch: Xu Haofeng, Zou Jingzhi, Wong Kar-wai; Montage: Poon Hung-Yiu, William Chang, Benjamin Courtines; Regie: Wong Kar-wai; Musik: Shigeru Umebayashi, Nathaniel Méchaly; Produktion: Wong Kar-wai, Jacky Yee Wah Pang Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Er war einer der wichtigsten Lehrer am Weimarer und Dessauer Bauhaus und gründete das new bauhaus in Chicago: László MOHOLY-NAGY (1895-1946) steht an Bedeutung und Einfluss Vasily Kandinsky, René Magritte, Walter Gropius oder gar Picasso nicht nach.
Der gebürtige Ungar hat einen festen Platz im Olymp der Klassischen Moderne. Führende Galeristen der 1920er-Jahre, darunter Hans Goltz, Wolfgang Gurlitt sowie Herwarth Waldens DER STURM zeigten seine Werke. In der Gegenwart ist Moholy-Nagy unverzichtbarer Teil der besten Museen der Welt. Ob MoMa und Guggenheim in New York, das Chicago Art Institute, Neue wie Alte Nationalgalerie Berlin oder das Pariser Centre Pompidou - sie alle pflegen sein Werk.
Doch Moholy-Nagy ist längst nicht so bekannt wie andere Bauhaus-Kollegen. Zu Unrecht, wie dieser Film zeigt. Wichtigste Erzählerin in dieser Film-Biografie ist Moholy-Nagys Tochter Hattula, geboren 1933 in Berlin. Sie versäumt es nicht, auch den beiden Ehefrauen in Moholys Leben ein Denkmal zu setzen. Sie waren Partnerinnen auf Augenhöhe, die selbst künstlerisch arbeiteten. In den 1920er Jahren lebte und arbeitete er gemeinsam mit der Fotografin Lucia Moholy. Seine zweite Ehefrau wurde die aus Dresden stammende Schauspielerin Sibyl Moholy-Nagy, geb. Pietzsch. Sybil trotzte László zwei Kinder ab, folgte ihm ins Exil nach London und Chicago, und avancierte nach seinem Tod zu einer wichtigen Architekturkritikerin. Besonders ihr ist das erstaunliche Oeuvre, das Moholys nach nur 51 Lebensjahren hinterließ, mitzuverdanken.
War László ein Tausendsassa, der sich aus schwierigen sozialen Verhältnissen in der ungarischen Provinz herauskämpfte - seine beiden kongenialen Ko-Kreateurinnen waren es nicht minder. Gemeinsam teilten sie die Überzeugung, dass die dingliche Gestaltung und Darstellung der Welt vor allem auch eine soziale und politische Frage ist.
Zwar folgt der Film doch klassisch dem Lebenslauf von László. Doch er arbeitet immer wieder heraus, wie sehr sein Werk das Ergebnis eines Kosmos Moholy ist, in dem kollaborative Prozesse und geschickt gespannte Netzwerke eine zentrale Rolle spielen. Und mindestens ebenso wichtig wie seine ausstellbaren Werke ist die "soziale Plastik", die er hinterließ: Eine Schule, die ein Hotspot der Innovationen ihrer Zeit war.
In der 1937 als "the new bauhaus" gegründeten Einrichtung paarten sich Ideen aus Europa mit amerikanischem Pioniergeist. Das "DI" war ein Ort, an dem vielfältige Methoden, Geräte, Ideen und Materialien ohne Scheu ausprobiert werden durften. Das alles - lange vor Joseph Beuys - unter dem Leitsatz: Jeder Mensch hat Talent.
Und: Kein Material ist zu gering, selbst Müll kann zu Kunst werden. Oder zum Produkt. Das war den Studenten des DI bereits in den frühen 1940er Jahren ganz selbstverständlich geläufig. Auch eine große Vielfalt von Lehrkräften trug zum Erfolg bei. Lange bevor er eine Legende war, hielt etwa Buckminster Fuller im Design Institute Vorträge.
Doch dieses Kunstwerk der Lehre und des Lehr-Managements konnte nur existieren, weil Moholy-Nagy unermüdlich immer neue Finanzierungsquellen erschloss. Was wiederum ohne die kongenial-tatkräftige Arbeit seiner Frau Sibyl undenkbar gewesen wäre. Gemeinsam mit einem industriellen Haupt-Mäzen gelang es ihnen, die Chicagoer Design-Schule durch unsichere Zeiten zu bringen, bis der Nachkriegsboom in den USA schließlich für ein ruhigeres Fahrwasser sorgte. Gerade noch rechtzeitig, den 1946 starb Moholy.
Wie ein Myzel verbreiteten ehemalige Lehrer und vor allem Schüler des "DI" in den 1950er Jahren den Geist des Chicagoer Instituts in alle Ecken der USA. Sie prägten die Entstehung eines neuen Berufszweiges mit: des modernen Graphic und Product Designs. So etwa ist das Cover der Rolling-Stones-Platte LET IT BLEED eine Arbeit des Design-Institute-Schülers Robert Brownjohn. Auch ein bis heute viel verkauftes, besonders handschmeichelndes Seifenstück einer großen US-Marke geht auf Arbeiten am Design Institute zurück.
Es waren auch solche Ikonen aus Popkultur und Massenproduktion, die vom Bauhaus beeinflusste Trends in neuer Form zurück in Richtung Europa trugen. Sie halfen, den Mythos dieser Schule zu beiden Seiten des Atlantiks bis heute lebendig zu halten - und auch Moholy Nagy zurück ins Bewusstsein zu bringen.
Inhalt: "Ich wurde frei geboren und werde frei sterben." Hala Mostafa (19) lebt im Norden Syriens. Sie hat neun Schwestern, zwei Brüder und einen Vater, der Hala der Tradition entsprechend verheiraten wollte, ohne sie auch nur zu fragen. Aber Hala weigerte sich. "Ich bin nicht wie andere Mädchen," sagt sie. "Ich akzeptiere diese Hochzeit oder die Kontrolle über mich nicht."
Um der arrangierten Ehe zu entkommen, überquerte sie den Euphrat und ließ sich auf der Polizei-Akademie von Rojava zur Polizistin ausbilden. Ihre rein weibliche kurdische Einheit wird für Hala zu einem neuen Zuhause. Es ist eine Truppe, die auch daran beteiligt war, Halas Heimatstadt Manbidsch (auch: Minbij) vom Islamischen Staat (IS) zu befreien.
Dutzende von Halas männlichen Verwandten haben sich dem IS angeschlossen. Viele sind dabei gestorben - doch das hält die verbliebenen Männer nicht davon ab, der Terrormiliz auch weiterhin zu dienen.
Hala und ihre bewaffneten Genossinnen stellen sich gegen das Ziel einer Schariah-Herrschaft. Sie kämpfen gegen den IS, gegen das Patriarchat im Allgemeinen, und die Institution der Zwangs-Ehe im Besonderen. Noch ist es ganz in Nordsyrien völlig normal, dass Mädchen von ihren männlichen Verwandten gegen ein Brautgeld verheiratet werden - und dann ein Leben lang in dieser Ehe eingesperrt bleiben. Bricht eine Frau aus einer solchen Ehe aus, kann eine Steinigung die Folge sein - die oft noch nicht einmal die engsten Verwandten verhindern können.
Halal und ihre Mitstreiterinnen wollen, dass mit solchen Praktiken Schluss ist. Sie eifern den feministischen Idealen der kurdischen Frauenbewegung nach. Hala ist von diesen Lehren zutiefst inspiriert. Sie widmet sich entschlossen dem Versprechen, auch ihre Schwestern zu befreien - um jeden Preis. Doch dafür muss sie sich gegen ihre Familie stellen. Wird sie diesen Bruch auf Dauer aushalten?
"'Ich habe einen Riesenrespekt vor den Frauen', betont [die Regisseurin Antonia] Kilian. Es sei unbestreitbar, dass sie einen Wandel in Bezug auf Frauenrechte und -emanzipation in der Region ermöglichen. 'Meine Perspektive ist aber die einer kritischen Solidarität', sagt die Regisseurin, Kamerafrau und Produzentin des Films, 'vieles bleibt kompliziert.' Was erst recht für ihre Protagonistin Hala gilt, die gegen Ende des Films zum Haus des Vaters fährt. Ihre Waffe und die Granate hat sie dabei." (Süddeutsche Zeitung)
Inhalt: Dokumentation über Soul-Legende James Brown, der ab den 60er Jahren zu den größten Vertretern der Musikbranche gehörte. Doch neben seinen beruflichen Erfolgen hatte Brown auch immer mit persönlichen Niederlagen und Katastrophen zu kämpfen. Mehr als zehn Jahre haben die Filmemacher die Größen des Funk und Soul begleitet. Dabei kommen unter anderem Stars wie Bobby Byrd und Joss Stone, sowie Gwen und George McCrae, wie auch Rap-Legende Kurtis Blow und die Hip-Hopper von The Pharcyde zu Wort, die alle den "Godfather of Soul" würdigen.
Protagonist: James Brown, Joss Stone, Kurtis Blow, Bobby Byrd, Marva Whitney; Regie: Marc Fehse; Kamera: Marc Fehse; Produktion: Marc Fehse; Drehbuch: Marc Fehse Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Detyr und seine Partnerin Adele haben sich in der Haft ein Versprechen gegeben: Sie wollen nach ihrer Entlassung ein gemeinsames Leben führen. Jetzt leben sie in dem Dorf Nkonga (Kamerun), doch ihr Wunsch zu heiraten stößt auf den Widerstand von Detyrs Familie...
Protagonist: Benjamin Hebga, Apollinaire Tamga Ntamack, Victor Hiol, Guillaume Déthyr Bayegle, Dorothée Ngo Nguidjol, Désiré Ikeng, Paul Ndjeng, Moise Paul Isoo, Marcus Paglan, Adèle Ngo Mboudi, Bernadette Ngo Ndiguil, Sarah Hebga, Bébé Bibehe; Regie: Joseph Dégramon Ndjom; Produktion: Joseph Dégramon Ndjom, Eugénie Michel-Villette, Dieudonné Alaka; Kamera: Laurent Chevallier; Drehbuch: Joseph Dégramon Ndjom Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: In "Tod und Teufel" porträtiert der Dokumentarfilmer Peter Nestler seinen Großvater Eric von Rosen (1879-1948). Als Fotograf unternahm Rosen Anfang des 20. Jahrhunderts zahlreiche Forschungsreisen nach Südamerika und Afrika. Durch seine ausführlichen Berichte und Fotos wurde er zu einem wichtigen Chronisten der eingeborenen Stämme, deren Kultur durch den Kolonialismus vernichtet zu werden drohte. Nach seinen Reisen beteiligte sich von Rosen ab den 1930er-Jahren als Antisemit an einer Vereinigung schwedischer Nazigruppen. Ab 1938 zog er sich aus der öffentlichen Diskussion zurück.
Peter Nestler, der schon in anderen Dokumentarfilmen die Hintergründe für die Entstehung von Rassismus und die Gründe für den Holocaust untersucht hat, nähert sich dem Thema in diesem Film aus einem sehr persönlichen Blickwinkel.
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Gleich zu Beginn des Films hält Peter Nestler fest: "Über diesen Großvater wollte ich früher nie einen Film machen, sein Weg entlang des Abgrunds war mir unheimlich, aber die Fragen blieben und wurden deutlicher. Jetzt suche ich die Antworten." Der Großvater Peter Nestlers, Eric von Rosen, lebte von 1879 bis 1948, war schwedischer Aristokrat, Forschungsreisender, Ethnologe, Jäger und Nationalsozialist. Es geht jedoch in diesem Film nicht vorrangig um das Naheverhältnis von Eric von Rosen zum nationalsozialistischen Deutschland, sondern um die Südamerika-, Afrika- und Lapplandexkursionen seines Großvaters, anhand derer über Rassismus und Kolonialismus aber auch über die Person des Großvaters räsoniert wird. Im Vordergrund steht die Frage, welche Entwicklungen zum Holocaust geführt haben.
Nestler stehen die Tagebücher, Notizen und Fotos, ja sogar Filme seines Großvaters zur Verfügung, um ihn zu porträtieren. Nur einmal setzt er eigene Aufnahmen dazu, die er im Ethnographischen Museum Stockholm gedreht hat. Verschiedene Sprecher nehmen unterschiedliche Erzählperspektiven ein: jene des Enkels Peter Nestler, von Eric von Rosen, des Biologen Robert Fries und einer Museumsangestellten. Mit einer derartigen Montagetechnik gelingt es Nestler ein vielschichtiges Bild seines Großvaters zu zeichnen.
Der Film besteht aus fünf großen Teilen: (1) einer allgemeinen Einführung zur Person des Grafen Eric von Rosen; (2) die erste Forschungsreise nach Südamerika; (3) die Jagdleidenschaft seines Großvaters; (4) die Expedition nach Afrika; (5) seine Unterstützung der Truppen von Carl Gustav von Mannerheim und 6) die Verstrickung von Erik von Rosen in den Nationalsozialismus, insbesondere in der ersten Hälfte der 1930er Jahre.
Anhand der Bilder und Tagebücher der Forschungsexpeditionen legt Nestler die Verwüstungen dar, welcher der europäische Kolonialismus angerichtet hat. Rasch wird klar, wie sehr die Ethnologie dieser Zeit der Rassenbiologie und dem Rassismus verbunden war. Von Rosen nimmt biometrische Messungen an Indianern vor, der Leiter der ersten Expedition gräbt im Auftrag von forschenden Rassenbiologen die Mumien begrabener Indios genauso bedenkenlos aus wie Fossilien im Sandstein des Gran Chaco. Doch auch ein anderer Rosen wird sichtbar: ein selbsternannter und nichtsdestotrotz begeisterter Ethnograph, der mit Hingabe das Volk der Batwa studiert und tausende Ethnografika sammelt, den Hunger seiner Träger und die weitverbreitete Schlafkrankheit beschreibt und zu bekämpfen versucht, oder letztendlich in einer Art inneren Abkehr vom Nationalsozialismus die Geschenke seines Schwagers Hermann Göring im Garten seines Schlosses verbrennt. Auch wird der Naturverbundenheit und seiner Leidenschaft als Jäger breiter Raum eingeräumt.
Eng bleibt Nestler an den Fundstücken aus den Archiven seines Großvaters und lässt die handelnden Personen selbst sprechen. Nur an wenigen Stellen wird der Film spekulativ, wenn etwa Nestler mutmaßt, dass von Rosen ja über die Gräueltaten in Belgisch Kongo gewusst haben musste. (Quelle: wikipedia)
Kamera: Eric von Rosen, Peter Nestler; Musik: Franz Bielefeld; Regie: Peter Nestler; Montage: Dieter Reifarth; Produktion: Dieter Reifarth; Drehbuch: Peter Nestler; Stimme: Peter Nestler; Kommentar: Peter Nestler Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Die ikonische, stilbildende Kunst von TOM OF FINLAND haben viele schon einmal gesehen, doch kaum einer kennt die Geschichte des Mannes dahinter: Nach der Rückkehr von der Front des 2. Weltkriegs erweist sich für Touko Laaksonen (Pekka Strang) das Leben im Frieden ebenso als Krieg. Im Finnland der 1950er Jahre kann er als Homosexueller weder lieben, wen er will, noch sich selbst verwirklichen. Immer der Gefahr einer strafrechtlichen Verfolgung ausgesetzt, die mit Schwulen rigoros umgeht, findet Touko Zuflucht im Zeichnen homoerotischer Bilder. Unter dem Pseudonym Tom of Finland tritt seine Kunst schließlich einen Siegeszug an. Der Künstler entfacht damit nicht nur die "Gay Revolution", sondern wird auch zur Symbolfigur einer ganzen Generation junger Männer.
Der preisgekrönte Filmemacher Dome Karukoski erzählt im spannenden Biopic TOM OF FINLAND nicht nur über das Leben und die Arbeit der einflussreichsten Figur der Homosexuellenkultur des 20. Jahrhunderts, sondern bringt eine berührende Geschichte um wahre Liebe und das Recht auf persönliche Freiheit auf die Leinwand.
Musik: Lasse Enersen, Hildur Guðnadóttir; Schauspieler: Christian Sandström, Martin Bahne, Lauri Tilkanen, Werner Daehn, Taisto Oksanen, Seumas F. Sargent, Niklas Hogner, Jessica Grabowsky, Pekka Strang; Drehbuch: Aleksi Bardy; Montage: Harri Ylönen; Produktion: Aleksi Bardy, Annika Sucksdorff; Kamera: Lasse Frank Johannessen; Regie: Dome Karukoski Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Er war Österreichs größter Popstar, einer der wichtigsten europäischen Musiker seiner Zeit, viele sagen: der erste weiße Rapper. Falco war ein absoluter Superstar und erlangte Weltruhm mit seinem Hit ROCK ME AMADEUS. Falcos kulturelles Erbe ist einflussreicher als das jedes anderen deutschsprachigen Sängers. Seine intelligenten, oft sarkastischen Texte sind verhaftet im kollektiven kulturellen Gedächtnis. Und auch sein kommerzieller Erfolg ist einzigartig im deutschsprachigen Raum.
Der junge Hans Hölzel, wie der spätere Popstar bürgerlich heißt, stammt aus einem Wiener Arbeiterbezirk und macht seine ersten musikalischen Schritte als Bassist in verschiedenen Bands. Er entwickelt die Kunstfigur "Falco" und wird entdeckt, als er seinen ersten eigenen Song Ganz Wien als Pausenprogramm performt.
Von nun an reihen sich die Hits aneinander, gekrönt von Rock Me Amadeus an der Spitze der US Billboard Charts - bis heute der einzige deutschsprachige Titel, der der das jemals erreicht hat. Aber der Ruhm hat seinen Preis. Kokain und Alkohol zerstören jede von Falcos Beziehungen, ob privat oder beruflich. Bald will kaum noch jemand mit ihm arbeiten. Seine Karriere steckt in einer Sackgasse, mehrere Comeback-Versuche scheitern. Falco ist gerade mal 40 Jahre alt und sturzbetrunken, als er 1998 mit seinem Auto in einen Bus kracht.
In der Dokumentation "TOO young TO DIE: Falco - Sterben um zu leben" erzählen Freunde und Wegbegleiter wie Falcos Manager Horst Bork oder der niederländische Produzent Ferdi Bolland Geschichten vom Alltag und der Arbeit mit dem exzentrischen Künstler. Auch die Frau, die Falco sieben Jahre lang für ihren Vater hielt, berichtet von dem nicht immer leichten Leben als Tochter des kapriziösen Popstars. Private Videoaufnahmen von Falcos Freund Conny de Beauclair gewähren einen Blick hinter die Kulissen.
Inhalt: Natalie Wood war ein Kinderstar lange vor dem Zeitalter der Castingshows. Sie wird als Natasha in eine russische Immigrantenfamilie geboren; der Weihnachtsklassiker "Das Wunder von Manhatten" gehört zu ihren frühen Erfolgen. Als Teenager gelingt es ihr, sich zur Charakterdarstellerin zu wandeln. Als Co-Star von James Dean in "Rebel Without A Cause" und als Maria in Westside Story erlangt sie Weltruhm. Sie spielt Hauptrollen in Filmen von Nicholas Ray, Elia Kazan und vielen anderen großen Hollywoodregisseuren.
Wood ist auch ein Fall von "Me too". Sie wird 16jährig bei einem Vorsprechen von einem berühmten Schauspieler und Produzenten vergewaltigt. Und schweigt - ebenso wie ihre Mutter, die ganz bewusst nicht die Polizei einschaltet aus Furcht, Natalie bekäme dann keine Rollen mehr.
Wood gelang die Wandlung vom Kinderstar zur Charakter-Darstellerin, die mit Preisen ausgezeichnet wird und mehrfach für den Oscar nominiert wird, die begehrteste Filmtrophäe überhaupt.
Doch Wood plagen dunkle Ahnungen. Eine Kartenlegerin hat ihren Tod in einem "dunklen, tiefen Gewässer" vorhersagt. Und tatsächlich, was an Bord der "Splendour" am Thanksgiving-Wochenende des Jahres 1981 wirklich passiert ist, gibt bis heute Anlass zu wilden Spekulationen. Nur eines ist sicher: In der Nacht stürzte Natalie Wood vor der kalifornischen Küste in der Nähe von Santa Catalina Island ins Meer und ertrank. Ihr Tod wird zu einem der großen Hollywood-Mysterien.
Der frühe Tod großer Stars hatte schon immer das Zeug zum Mythos. Manche sehen die Götter am Werk, die jemanden zu sehr geliebt haben, andere raunen über ungeklärte Umstände des Todes, ein zu intensives Leben oder absichtliche Selbstzerstörung. Am Ende bleibt das Bild eines unerfüllten Lebens, das noch so viele Möglichkeiten gehabt hätte. Im Zeitalter der Medien ist der Tod eines Stars immer auch ein öffentliches Ereignis, das sich vermarkten lässt, solange der Sensationshunger des Boulevard anhält und sich die Bilder ins popkulturelle Bewusstsein eingebrannt haben.
Protagonist: Sugar Blymyer, Suzanne Finstad, Lana Wood, Ed Canavari; Produktion: Leopold Hoesch, Sebastian Dehnhardt; Drehbuch: Annette Baumeister; Regie: Annette Baumeister Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Philip Seymour Hoffman ist einer der besten und wandlungsfähigsten Charakterdarsteller seiner Generation. Ohne es darauf anzulegen, stiehlt er den großen Stars, in deren Schatten er spielt, die Show: ob Tom Cruise in "Magnolia", Al Pacino in "Der Duft der Frauen" oder Robert de Niro in "Makellos". Stets bleibt sein Auftritt in den Köpfen der Zuschauer. Er spielt nicht einfach nur, er verschmilzt förmlich mit den Rollen. Seine Vielseitigkeit zeigt er in mehr als 50 Filmen. Und auch am Broadway und Off-Broadway Theater gilt er als einer der Besten. Viermal wird er für den Oscar nominiert, einmal erhält er ihn. Hoffman ist "ganz oben". Scheinbar.
Am 2. Februar 2014 findet man den 46-Jährigen tot in seiner Wohnung in New York - mit einer Nadel im Arm. Gestorben an einer Überdosis Heroin. Die Nachricht von seinem Tod ist ein Schock. Kaum jemand wusste, dass er drogenabhängig war und erst wenige Monate zuvor vergeblich versucht hatte, durch einen Entzug clean zu werden.
Die Dokumentation "TOO young TO DIE: Philip Seymour Hoffman - Ganz und gar Schauspieler" erzählt die Geschichte des außergewöhnlichen Schauspielers. Der Film begleitet ihn von seinen ersten Gehversuchen als Schauspieler in der Highschool-Aula, bis zu seinen größten Erfolgen am Broadway und vor den Kameras Hollywoods. Freunde, Kollegen, Filmkritiker und Lehrer erinnern sich an seinen klugen Humor, an seine Uneitelkeit und an seine Furchtlosigkeit auf der Bühne. Schon als 14-Jähriger spielte Hoffman die Rolle des Willy Loman aus "Tod eines Handlungsreisenden" so überzeugend, dass das Publikum sich in eine andere Welt versetzt sah, erzählt Hoffmans Lehrerin Midge Marshall. 30 Jahre später ist Hoffman ein Weltstar, doch er scheut den Medienrummel und das Blitzlichtgewitter. Nur am Filmset und auf der Bühne ist er in seinem Element. Er verlangt sich alles ab, um in den Rollen so glaubhaft wie möglich zu sein. Hoffman hat damit so großen Erfolg, dass er zum Weltstar wird. Zum Star, der er nicht sein wollte.
Inhalt: Ihre Rolle als Dorothy in "Der Zauberer von Oz" macht sie im Alter von nur 16 Jahren zum Weltstar. Der Titelsong "Over the Rainbow", der 1940 einen Oscar erhielt, wurde zum Song ihres Lebens. Er gilt als Hymne für Menschlichkeit, Toleranz und ein sorgenfreies Leben und hat Popgeschichte geschrieben. Menschen auf der ganzen Welt identifizieren sich mit seiner Botschaft.
Judy ist ein Naturtalent und für die Bühne geboren. In ihrer Karriere bringt sie es auf sagenhafte 32 Filme, 30 TV-Shows, 500 Radioauftritte, sie gibt 1100 Konzerte, veröffentlicht über 100 Singles und ein Dutzend Alben. Ihre Rastlosigkeit und Vielseitigkeit bringen ihr einen Oscar und zwei Nominierungen ein. Sie gewinnt zwei Golden Globes, fünf Grammys und den Tony Award. Ohne sie und ihre atemberaubende Stimme wäre der Torch-Song, das Liebeskummer-Lied, nicht das, was es heute ist. Sie ist die originale Beyoncé, die originale Adele. Ihr Schicksal tragisch wie das von Amy Winehouse.
Die Umstände ihres Todes werfen einen langen Schatten auf ihre Lebensleistung: schon früh diktieren Pillen, Alkohol, Scheidungen, Selbstmordversuche, falsche Freunde und finanzielle Probleme die Schlagzeilen. Ihr Image wird mit Füßen getreten, ihre Kunst nicht gewürdigt. Doch sie steht immer wieder auf, belehrt ihre Kritiker und Feinde eines Besseren. Singt und spielt sich den Frust von der Seele und in die Herzen der Fans.
"TOO young TO DIE: Judy Garland - Im Schatten des Regenbogens" erzählt die Geschichte einer außergewöhnlichen Frau. Die Geschichte des ersten starken weiblichen Popstars. Sie ist nicht nur eine Ikone der Schwulenbewegung sondern inspiriert viele Stars bis heute. Rufus Wainwright widmet seinem Idol einen kompletten Konzertabend und spricht in der Dokumentation über seine Motivation und die Herausforderung, die große Judy zu covern. Bei der Oscar-Zeremonie 2014 zollt Alecia Moore alias Pink Judy Tribut mit einer Performance von "Over the Rainbow". Unter den Gästen auch Joey Luft, Garlands Sohn, der sich in der Dokumentation in einem sehr persönlichen Show-Abend an seine Mutter erinnert. An eine Sängerin und Schauspielerin, deren rasanter Aufstieg sie am Ende umso tiefer fallen ließ.
Programm Findus Internet-OPAC findus.pl V20.236/8 auf Server windhund2.findus-internet-opac.de,
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